art

Et si les historiens et les dessinateurs faisaient équipe ? Pour faire fonctionner ce couple, on peut choisir d’illustrer l’« Histoire ». On peut aussi s’inspirer des enquêtes et reportages dessinés, guidés par un raisonnement, fondés sur des questions originales et des sources neuves.

Les œuvres d’art ont-elles une valeur objective ? Si la question intéresse les philosophes, les économistes ont également leur mot à dire. À partir de techniques statistiques simples, V. Ginsburgh et S. Weyers montrent que les propriétés des œuvres ne sont pas dénuées de fondement objectif et s’avèrent même relativement stables à travers les siècles.

Pour Fredric Jameson, l’art en général et la littérature en particulier ne sont pas simplement le reflet de la vie sociale. Ils sont bien plutôt l’expression de ses contradictions et souvent indiquent la voie pour les dépasser, en décrivant la richesse du temps présent, l’énergie qui le parcourt et les promesses qui l’habitent.

À travers le périple de 264 miniatures japonaises, un céramiste renommé retrace l’ascension et le déclin de sa famille, les Ephrussi, de riches banquiers juifs installés à Odessa, Paris et Vienne. Son enquête, nourrie par le raisonnement historique, suggère que la littérature est pleinement compatible avec les sciences sociales.

À la fin des années 1960, les formes dématérialisées de l’art conceptuel transforment les modes de production artistique. L’émergence d’œuvres qu’on peut publier et reproduire dans les pages des magazines bouleverse la nature de ces publications éphémères. Gwen Allen explique comment les magazines d’artistes deviennent à cette époque un espace alternatif de production artistique.

À quelles conditions la poésie peut-elle bien prétendre se mêler de problèmes publics ordinaires ? Christophe Hanna propose de démonter ce qui soustrait la poésie à l’espace public et de remonter un cadre approprié pour l’y inscrire activement. Il s’agit d’une poésie de dispositifs, qui livre des ressources critiques sur les discours et les représentations qui traversent l’espace public.

Et si les papes prônaient la libération sexuelle, la bisexualité et la célébration des cultures païennes ? L’historienne Anne Kraatz montre que ce programme a été parfaitement tenu par les papes de la Renaissance, dans la pratique tout au moins.

La réflexion esthétique a imposé l’idée que l’art était autonome, désintéressé, séparé de la vie et de la société. Mais, pour Noël Caroll, « l’art pour l’art » est une abstraction. Pour comprendre une œuvre, il est nécessaire de prendre en compte le point de vue du spectateur : son expérience, ses émotions.

Le pragmatisme est pluriel par ses courants (Peirce, James, Dewey, Putnam, Rorty etc.) mais aussi par ses champs d’investigation : Jean-Pierre Cometti en montre la force critique autant en philosophie (théorie de la connaissance) qu’en esthétique (« l’art comme expérience »), en politique (les enjeux de la démocratie), ou en sciences sociales (la créativité des agents).

La figure traditionnelle du Diable, monstre composite et tentateur, a brusquement disparu de l’univers pictural pour prendre visage humain. Par cette ultime métamorphose, le Démon s’est sécularisé, jusqu’à disparaître en tant que tel. Daniel Arasse tire les fils de cette histoire, en amont et en aval.

Si l’art contemporain persiste à susciter le rejet et l’incompréhension, c’est, plaide J.-P. Cometti, en raison d’un préjugé essentialiste. En vérité l’œuvre d’art n’est pas un objet clos, calme bloc ici-bas chu, mais événement et performance, toujours inscrit dans un monde de l’art qui la fait fonctionner.

Spécialiste de la théorie architecturale du XIX^e siècle, Georg Germann propose une approche systématique de la notion de patrimoine bâti et de son histoire, de la Renaissance à nos jours.

Laure Blanc-Benon reprend le débat entre Gombrich et Goodman sur le réalisme en peinture – et prétend apporter une alternative à leur antagonisme. L’enquête est passionnante, mais la solution proposée risque d’introduire une nouvelle confusion plus dérangeante que celles qu’elle permet d’éviter.

Loin d’une approche de l’art centrée sur les œuvres et sur les artistes, Jérôme Glicenstein fait de l’exposition le cœur de l’expérience esthétique. L’exposition met non seulement en relation des objets, des lieux et des publics mais elle contribue aussi à dévoiler le sens des œuvres de façon spécifique.

L’historienne Charlotte Guichard fait revivre la figure de l’« amateur d’art », personnage essentiel dans la définition du bon goût et la promotion des beaux-arts au XVIII^e siècle. Dénigré par les Lumières pour son caractère aristocratique et l’étroitesse de ses jugements, « l’amateur » a néanmoins légué sa conception élitiste du goût à la critique d’art française.

Étudiant le geste dans la peinture florentine, Bertrand Prévost montre que la peinture n’est pas un art de la représentation, figurant une histoire dont il faut décrypter le sens, mais un art de l’intensification, où s’affirme la puissance d’un devenir dont il faut comprendre la « manière ».

Un livre collectif consacré au cinéma sous les régimes autoritaires montre que les masses populaires résistent spontanément à l’image que ces régimes voudraient leur imposer, en sorte que l’histoire de ce cinéma, pourvu qu’on sache la déchiffrer, donne une image assez précise des limites et fluctuations des dictatures au XX^e siècle.

Loin d’être un artefact préhistorique, une façon désuète et dépassée de produire des images, l’empreinte, en laquelle Georges Didi-Huberman voit autant un objet qu’un processus, est encore aujourd’hui au cœur d’une pratique artistique. En s’intéressant à sa valeur plastique autant qu’heuristique, il interroge l’histoire de l’art avec des outils renouvelés.

Deux documents importants, traduisant des écrits rares ou inédits de l’artiste américain, témoignent de l’évolution d’un des peintres emblématiques du XX^e siècle et le replacent dans le contexte historique et artistique des années 30-40.